Carlos Fuentes Berrios

OTELO: Originalmente trabajada a través de la experimentación en talleres en
Francia, surge la propuesta de montar Otelo desde una mirada
contemporánea profundizando en el tema que propone Shakespeare. El
verdadero tema de Otelo es el femicidio, no los celos. Creer lo contrario,
es endulzar la obra reduciéndola a una tragicomedia de malos contra
buenos. El asesinato de Desdémona no se puede suavizar elevando el
crimen a una dimensión romántica:
“Hablad de mí como alguien que amó demasiado,
alguien que por celos, quedó preso de la locura”
dirá Otelo al final de la pieza. La misma disculpa se puede apreciar en la
mayoría de los diarios sensacionalistas de nuestra época, pero la verdad
es que cuando un hombre mata a una mujer, es para ejercer poder sobre
ella, “tratando de controlar y poseer el cuerpo y el alma de su mujer”
(Cisneros, Unesco 2005)

FRANKENSTEIN: Esta adaptación al teatro de la novela Mary Shelley "Frankenstein, o el moderno Prometeo" ha llevado a este clásico moderno, la primera novela de ciencia ficción, al terreno de la animación de objetos y muñecos, y está a cargo de un único actor, el maestro y pionero del estilo en el teatro chileno, Jaime Lorca. En él se personifican tanto el creador como la criatura de esta tragedia de la era industrial del siglo XIX, y los desafortunados cercanos que se ven involucrados en los luctuosos hechos que resultan del intento in-humano por suplantar a su dios.

FRAGMENTOS DE UNA OBRA EN RECONSTRUCCIÓN

“ POESÍA PLASMADA DE METÁFORA QUE TRASCIENDE EN UN CANTO CORPORAL, RUTA DE LA MEMORIA, DESIGUALDAD DE GÉNERO Y DERECHOS, LUGAR DE DESEO Y MUTISMO,
RECOMPOSICIÓN DEL CUERPO FRAGMENTADO. EL DIÁLOGO SE HACE POSIBLE CUANDO SE EXPLICITAN Y RECONOCEN LAS DIFERENCIAS, SE SUPERAN LOS ESTEREOTIPOS Y LAS NORMAS SOCIALES"

KPUCHAPO:

“Gritos, tambores, silbidos y sirenas, cuerpos afectados, en alerta,
arde la piel y los ojos, arde el pasado, pero más arde el futuro.
Recorren las calles cubiertas por una nube tóxica, limitadas por barreras.
Son seres del nuevo mundo con la alegría de una subversión cotidiana que desarma las violencias, humanizando a los sujetos, con sus cabezas coloridas recubiertas con escamas, plumas, lentejuelas y perlas.
Algunos en solitario, otros en enjambre, son cientos, son miles.
Son todos diferentes, pero al mismo tiempo son un mismo cuerpo.
Un cuerpo que grita, que llora y ruge al unísono, que los convierte en actores invencibles, un cuerpo que demanda su derecho a existir”

CHAIKA: es el intento heroico y decadente de una vieja actriz por actuar sola en La Gaviota de Chéjov. “Nunca hablar de vejez, ni de muerte”, dice en todos los discursos de Arcadina sobre cómo se debe avanzar en la vida, en sus peleas con su hijo, su amante y sus conflictos personales; aparece una mujer desesperada de perderlo todo; perder su lugar, su poder, su teatro.
En la obra de Chéjov, la gaviota puede ser el símbolo de una fuerza vital. Los personajes viven con su gaviota, algunos la disecan, otros la asfixian y casi todos en algún momento matan a su gaviota. Salvo Nina, la actriz joven, que continúa al servicio de su deseo, de esa fuerza. Y que a pesar de llevarla a la devastación continúa buscando el sentido, confundida entre el deseo y realidad: “Soy una gaviota, no es eso… Soy una actriz”.
Chaika debe interpretar a Arcadina pero desea ser Nina, un deseo absurdo porque ya no le corresponde interpretar el papel de una joven, pero es quizás la única manera de despedirse del teatro para encontrarlo de modo diferente.
De esta forma, Chaika, con humor e ironía, permite analizar la trayectoria de la vida de alguien que ha estructurado su pertenencia desde el reconocimiento artístico. Permitiendo al público identificarse con la incomodidad del sinsentido que ella porta, y visibilizar la problemática de abandono en la vejez que merece reflexión sobre qué sociedad queremos construir.
Esta obra alude a una situación que cualquier persona experimenta en su vida, a avanzar y darse fuerza… encontrar sentido