Camila Lobos

"INHALA- EXHALA" La serie aborda la inmersión en el agua como una metáfora de la transformación del cuerpo y la mente en medio de un mundo acelerado y estresante. El agua se convierte en un refugio que desconecta del ritmo frenético de la vida cotidiana, ofreciendo un espacio para la reflexión y la búsqueda de calma. A través de la relación entre el cuerpo femenino y el entorno acuático, se explora cómo sumergirse en el agua permite una profunda transformación interna, conectando con emociones que emergen en ese encuentro íntimo.

El uso predominante del color azul refuerza la atmósfera de serenidad y contemplación, generando un diálogo entre la mujer, el agua y las emociones. Inspirada en Gastón Bachelard, la obra refleja la ambigüedad visual y emocional del agua, donde lo visible y lo oculto coexisten, dejando espacio para la interpretación personal. Esta serie no solo invita a la contemplación visual, sino también a una introspección profunda, ofreciendo una pausa en el agitado ritmo contemporáneo.

"Inhabitada" es un proyecto de fotografía y performance realizado en 2023 que explora el tema del abandono desde una perspectiva más metafórica, centrada en la invisibilización y olvido del cuerpo femenino en la historia. Las imágenes presentan a amigas de la artista en aeródromos abandonados, espacios que simbolizan el viaje y la transformación, pero también la soledad y el silencio. Estos lugares contrastan con la presencia de cuerpos en descanso, sugiriendo cómo las mujeres han sido relegadas a un segundo plano en la historia colectiva, habitando un estado de aparente calma pero subyacente tensión.

El proyecto crea una reflexión sobre cómo el cuerpo femenino se convierte en un espacio simbólico de abandono, no solo en lo físico, sino en la memoria histórica y social. Los aeródromos, anteriormente puntos de partida y cambio, ahora deshabitados, refuerzan la idea de espacios olvidados que dialogan con el cuerpo. La obra busca visibilizar este abandono metafórico, promoviendo una mayor conciencia sobre la necesidad de revalorizar el papel de las mujeres en la historia y de reconocer su presencia en espacios que antes las han dejado atrás.

"DES-APARECER" En 2019, la artista presentó un proyecto innovador que utiliza la técnica de superposición analógica para combinar paisajes naturales del sur de Chile y Argentina con la presencia humana. Este enfoque permite revelar cómo los seres humanos, en su diminutez, se integran en la vastedad de estos paisajes imponentes. Las fotografías resultantes no solo capturan la magnitud del entorno natural, sino que también cuentan historias a través de sus capas de superposición, invitando al espectador a examinar cada detalle y descubrir las narrativas que emergen de esta fusión de escalas.

La obra destaca por su capacidad para mostrar la relación entre la inmensidad del paisaje y la fragilidad humana, ofreciendo una reflexión sobre la interacción entre ambos. Cada imagen sirve como una meditación visual sobre la escala y la conexión entre el hombre y la naturaleza, permitiendo al espectador contemplar la belleza y la grandeza del entorno natural mientras explora la presencia sutil del ser humano en este contexto.

"CAMUFLAJE INTERIOR" Este proyecto fotográfico explora la esencia de la mujer y su relación con el entorno en el que se oculta y protege. A través de una serie de imágenes íntimas, capturamos cómo las mujeres se mimetizan con su propio mundo, encontrando refugio en su interioridad. Cada fotografía revela fragmentos de su verdadera naturaleza, esa que solo aflora cuando se siente en confianza. Como dijo Simone de Beauvoir: “No se nace mujer, se llega a serlo”, y en ese proceso, la mujer descubre que su mayor fortaleza reside en su autenticidad y en la lealtad que se debe a sí misma.

Este proyecto fotográfico nace de un viaje de estudios por Europa, con especial enfoque en la arquitectura de Alemania. A lo largo de 8 meses, las imágenes exploran la relación entre las formas arquitectónicas y la luz, donde los colores primarios cobran una importancia central. En ciudades como Berlín, Hamburgo o Múnich, la simplicidad de los tonos primarios realza la geometría de los espacios, mientras la luz se desliza suavemente, transformando las estructuras a lo largo del día. A su vez, la ausencia de color en las fotografías en blanco y negro destaca las líneas puras y la fuerza de las formas arquitectónicas, revelando una belleza cruda y esencial. Este diálogo entre color y monocromía captura la complicidad entre arquitectura y entorno, mostrando cómo tanto el color como su ausencia pueden redefinir lo monumental y lo cotidiano.